W aktualizacji 10.4.5 dla wszystkich nie wtajemniczonych pojawiła się opcja dynamicznego ładowania wtyczek w projektach.

W telegraficznym skrócie polega to na tym, że po otwarciu sesji Logic Pro analizuje projekt i tylko ładuje wtyczki, które są potrzebne do odtworzenia w danym momencie. Reszta pozostaje nieaktywna. Opcję tą możecie włączać/wyłączać w ustawieniach projektu. Druga kwestia to jeżeli chcecie szybko wyłączyć wszystkie efekty typu insert na ścieżce to wystarczy tylko kliknąć jednocześnie z klawiszem alt na przycisk on/off na ścieżce w oknie aranżacyjnym.

Więcej na temat opcji dynamicznego ładowania znajdziecie tutaj:

https://support.apple.com/en-us/HT209636

Jeżeli rozpoczynacie swoją przygodę z tym programem lub chcecie sobie odświeżyć wiadomości związane z jego działanie to zapraszam wszystkich zainteresowanych do sprawdzenia oferty kursów z takich tematów jak: obsługa, produkcja, miks i mastering muzyki w programie Logic Pro. Pełną listę dostępnych szkoleń znajdziecie tutaj .

W następnych wpisach chciałem Wam przybliżyć programy z których korzystam do tworzenia i obróbki projektów muzycznych. Zaczynam od Ableton Live, który na rynku muzycznym jest już z nami od prawie 20 lat. Tak więc mamy tutaj do czynienia z dojrzałym środowiskiem, które idealnie się sprawdzi wśród osób szukających miejsca w którym będą mogłby stworzyć utwór od podstaw, zremiksować czyjeś nagranie, a także wykorzystać program jako podstawę do dogrywania przygotowanych ścieżek dźwiękowych w warunkach grania muzyki na żywo.

Do wyboru przy zakupie mamy trzy wersje: Intro, Standard oraz Suite. Najbardziej podstawowa wersja różni się tym głównie, iż ma ona okrojoną dostępność ścieżek audio/midi w projekcie do wykorzystania. Natomiast główną róźnicą pomiędzy wersjami Standard i Suite to oprócz zwiększonych zasobów w ramach biblloteki dźwięków mamy też środowisko modularne Max for Live w którym można tworzyć swoje instrumenty wirtualne oraz efekty midi/audio.

Którą wersję wybrać na start ?

Ja wszystkim osobom polecam wersję Standard, która w swoim pakiecie ma wszystko do tego żeby rozpocząć swoją przygodę z produkcją utworów muzycznych. Oczywiście wersja Suite ma więcej instrumentów dostępnych na pokładzie, ale ewentualnie polecam zainwestowanie tej różnicy cenowej np. w pakiet Native Instruments Komplete 12, który swoją jakością oraz zbiorem instrumentów, efektów, dźwięków wyprzedza nieco to co mamy dostępne tutaj. W każdym razie na stronie Abletona znajdziecie wersje demo, która działa w pełni przez 30 dni od daty pierwszej rejestracji. Dzięki temu dokładnie możecie sprawdzić jak działa sam program i jego instrumenty oraz efekty na pokładzie. 

Jeżeli nie macie tak dużego budżetu to sprawdźcie także branżowe fora internetowe np. kvraudio.com gdzie znajdziecie sekcje sprzedaży/zakupu. Dosyć często pojawiają się tam ogłoszenia związane ze sprzedażą programu. Transfer licencji jest darmowy. Dzięki temu możecie zaoszczedzić nawet do 50 % w porównaniu do ceny zakupu nowego programu.

Dlaczego Ableton Live ?

Być może nie każdemu podejdzie filozofia działania tego programu i możliwość pracy na dwóch oknach gdzie w oknie sesyjnym możemy składać sesję do grania „live” lub budować na klipach audio/midi róźnego rodzaju improwizacje, natomiast w oknie aranżacyjnym możemy w sposób bardziej klasyczny budować utwór. Dla mnie przez to jest ten program dużo bardziej elastyczny w stosunku do tego co mamy dostępne na rynku (z wyłączeniem Bitwiga który niedawno powstał na bazie wizji byłych pracowników firmy Ableton). Nie zamykamy się na jeden sposób 
podejścia do tworzenia muzyki. Oprócz tego to co możemy zrobić np. ze ścieżkami audio w oknie aranżacyjnym i co najważniejsze jak szybko możemy je obrobić bije na głowę pod tym względem konkurencję. To samo dotyczy automatyzowania ścieżek w projektach, czyli programowania zmiany ustawień instrumentów lub efektów. Tutaj także w bardzo szybki sposób można ten temat załatwić co przekłada się na dużą szybszą i mniej frustrującą pracę.

I tutaj dochodzimy do głównego punktu. Na bazie mojego już ponad 20-letniego doświadczenia z produkcją muzyki Ableton Live daje mi najszybszą możliwość skończenia utworu począwszy od jego incepcji do obrobienia jego miksu i przygotowania do masteringu. Nigdzie indziej nie mogę zrobić tego tak szybko, a to de facto jest dla mnie najważniejsze na dzień dzisiejszy czyli elastyczność i szybkość w działaniu. Oczywiście nie wszystko jest w pełni dograne tak jak to powinno być – mowa tutaj o średniej wydajności programu w stosunku do konkurencji, tutaj akurat Reaper bije wszystkich na głowę. Oficjalnie nie ma opcji tworzenia utworów w trybie surround i czasami lubią się gubić ustawienia instrumentów co zmusza mnie do ponownego restartu programu. Każdy jednak program ma swoje problemy i akurat w tym zakresie Live wypada nie najgorzej.

Dodatkowo do programu jak ktoś ma większy budżet można dokupić dedykowany kontroler Push 2, który bardzo dobrze się sprawdza w tym środowisku. Jak mam być szczery to nie jestem fanem tego typu rozwiązań, po prostu lubie przeznaczyć swoje pieniądze na coś bardziej dla mnie sensowniejszego jak zakup zewnętrznego syntezatora lub efektu dźwiękowego, ale jak dla kogoś posiadanie”wypasionego” kontrolera midi wnosi wartość dodaną do pracy to ma tego typu opcję.

Ableton Live 10 – 30 dniowa wersja programu do pobrania na stronie producenta

Ableton Live 10 – kurs dla początkujących

W jednym z ostatnich moim wpisów na kanale facebook wspomniałem, iż artysta Gogan z którym już współpracuję od dłuższego czasu wbił się na 11 miejsce ze swoim ostatnim projektem na listę portalu Beatport (w tym projekcie byłem odpowiedzialny za mastering oraz wsparcie przy produkcji). Cieszy mnie to bardzo i po części mam nadzieję, iż chociaż trochę przyczyniłem się do tego, gdzie Sebastian jest dzisiaj. Tak na marginesie współpracujemy już ze sobą trochę dłużej i przez jego upór oraz systematyczność idealnie widać na tym przykładzie co to daje bowiem sporo się zmieniło w jego produkcjach na plus od początków działalności do dnia dzisiejszego. Na pewno bardzo ważnym czynnikiem w tym temacie jest także to, iż jest on aktywnym Djem na scenie, dlatego ma on możliwość przeanalizowania na imprezach swoich produkcji pod względem zarówno odbioru czy też sprawdzenia brzmienia i dynamiki.

A dlaczego właściwie piszę o tym? Mianowicie używa on bardzo minimalistycznego zestawu do produkcji swoich utworów, który jest oparty o zestaw monitorów, słuchawki, lekką adaptację akustyczną, kartę muzyczną oraz zewn. syntezator, który głównie służy dzisiaj jako kontroler midi. Całość produkcji tworzona jest w programie Ableton Live. Czyli jak zwykle przypominam Wam kochani, iż żeby tworzyć muzykę na dobrym poziomie w cale nie trzeba nie wiadomo jakiego sprzętu i instrumentów, efektów wirtualnych. Wystarczy tylko w 100 % wykorzystać to co się ma i systematycznie na tym działać, aby poznać maksymalnie możliwości jakie daje nam to co aktualnie mamy w swoim arsenale. Sam ten temat przerabiałem na własnej skórze lata temu, kiedy przez pewien okres byłem bardziej zbieraczem niż czynnym producentem/inżynierem dźwięku i kończyło się to tak, że po prostu poprzez moje działanie traciłem pieniądze sprzedając coś po pewnym czasie ze stratą.

Jeżeli chodzi o moje wsparcie przy jego projektach to w gruncie rzeczy cały czas głównie skupiamy się na osiągnięciu dobrej dynamiki w dolnych częstotliwościach – czyli mówię tutaj o idealnej relacji takich elementów muzycznych jak stopa i bas. Problemy te jestem w stanie zrozumieć bowiem monitory Sebastiana nie maja szerokiego zakresu częstotliwości, a i na słuchawkach ciężko jest także ten temat ogarnąć. W każdym razie niezależnie czy to będę ja, czy jakiś inny inżynier dźwięku z dobrym słuchem polecam Wam kochani korzystać także z takiej opcji jak ocena swoich dokonań przez profesjonalistę.

Podsumowując moje dzisiejsze przemyślenia odnośnie tworzenia i produkcji muzyki możecie rozbić je na trzy najważniejsze rzeczy na jakie warto zwrócić uwagę:

1. Nie potrzeba dużej ilości sprzętu analogowego/wirtualnego do uzyskania bardzo dobrych efektów. 
2. Produkcja muzyki to przede wszystkim systematyczna praca i stałe dążenie do wyznaczonych przed sobą celów. 
3. Warto nawiązać kontakt z profesjonalistą/profesjonalistami, którzy będą w stanie wspomóc twoje produkcje doświadczonym uchem.

To tyle moi kochani na dzisiaj. Walczcie a będzie Wam dane!

Ostatnio wspomniałem o tym na jakie zakresy częstotliwości  należy spojrzeć dokładniej, aby uzyskać ładnie brzmiący instrument basowy. Dzisiaj chciałbym zwrócić Waszą uwagę na kolejny ważny element w utworze czyli nasz Wokal. Jeżeli chodzi o to jak dobrze go ustawić w utworze żeby był w każdym momencie wyraźnie słyszalny to przede wszystkim zaczynamy od suwaka głośności. Nim ustawiamy wstępnie odpowiedni zakres na jakim jest dobrze słyszalny przez cały utwór. Dopiero później jeżeli będzie potrzeba możecie zająć się korekcją, tak aby jeszcze bardziej go wyciągnąć w utworze do przodu, tak by brzmiał przejrzyście i nie kłócił się z innymi instrumentami zajmującymi ten sam zakres częstotliwości. Sprawa jest na tyle ważna bowiem możecie zauważyć, iż w każdym projekcie muzycznym większość instrumentów zajmuje średni zakres częstotliwości i to tam w tym zakresie w każdym projekcie mamy najwięcej pracy do wykonania, aby uzyskać klarowny obraz dźwiękowy. Wracając do tego na jakie zakresy częstotliwości musicie zwracać uwagę. Zaczniemy od dolnego zakresu. Jeżeli chodzi o mnie to z reguły wszystko poniżej 90 hz ścinam lekkim filtrem górno-przepustowym. Później analizuję zakres w okolicach 160 hz. Dosyć często jeżeli brakuje Wam pełnego mocnego brzmienia i wokal brzmi dosyć cienko to podbicie w tym zakresie filtrem z szerokim parametrem Q o kilka db może polepszyć sytuację. Później trafiamy na 200 hz. Dosyć często w tym zakresie mamy problemy z mówiąc potocznie „zamulaniem” obrazu dźwiękowego. Jeżeli czujecie, iż Wasz wokal brzmi mało klarownie spróbujcie lekko zbić ten zakres częstotliwości. Podobnie jeżeli chodzi o częstotliwości od ok 450 hz do 700 tutaj także jeżeli wokal jest ostry to lekkie wygładzenie częstotliwości w tych zakresach pomoże nam uzyskać bardziej profesjonalny rezultat. Brakuje Wam siły przebicia w Wokalu ? Tutaj z pomocą może przyjść korekcja w zakresach powyżej 1000 hz do 2500. Podbicie szerokiego pasma czyli znowu szeroko ustawiony parametr Q na korektorze lub użycie filtru półkowego i podbicie o ok. 2 db w większości przypadków przekłada się na uzyskanie odpowiedniego rezultatu. Na sam koniec jeżeli Wasz wokal dalej gdzieś ginie w zakresie wyższych częstotliwości w utworze i chcecie go zrobić bardziej przejrzystego to tutaj wszystko powyżej granicy 10 khz z użyciem delikatnego filtra półkowego spowoduje uzyskanie właściwego obrazu dźwiękowego. Oczywiście pamiętajcie każda wokalistka/wokalista jest inny. Dodatkowo dochodzi czynnik realizacji dźwięku czyli w jakich warunkach został on zarejestrowany i na jakim sprzęcie. Każdy mikrofon ma swoją własną specyfikę dlatego trzeba także tego typu czynniki wziąć pod uwagę. Ale te zakresy są dosyć uniwersalne tak więc jak będziecie o nich pamiętali i z czasem je sobie zaprogramujecie w głowie to jestem pewien, że za każdym razem przełożą się one na uzyskanie satysfakcjonującego Was rezultatu.

Materiały dodatkowe:

https://www.kvraudio.com/product/luftikus-by-lkjb – darmowy korektor audio, polecam do wokalu i nie tylko

https://www.waves.com/plugins/renaissance-bass – jak brakuje Wam mocy na wokalu w dolnych częstotliwościach to ta wtyczka pomoże Wam uzupełnić te braki

https://www.soundtoys.com/product/decapitator/ – w przypadku kiedy Wasz wokal brzmi „cienko” to ta wtyczka może rozwiązać ten problem, zresztą spróbujcie także innych efektów typu saturator, akurat ten znam na wylot i z niego cały czas korzystam

Przez następne 7 dni mam dla Was promocję na kurs z produkcji, miksu i masteringu muzyki w stylu Hip-Hop, cena promocyjna to 49 PLN (regularna 99 PLN) . Jak zwykle pracuje na realnym przykładzie w którym dokładnie omawiam co trzeba zrobić aby osiągnąć zawodowo brzmiący utwór. Sporo czasu w tym szkoleniu poświęciłem na obróbkę wokali łącznie z wykorzystaniem efektu autotune, tak więc jeżeli jesteś także wokalistą czy wokalistką hip-hopową znajdziesz w nim dużo cennych informacji. Pełną informację na temat kursu znajdziecie w linku poniżej. Zapraszam do sprawdzenia oferty i zakupu.

Z racji tego, iż na co dzień zajmuję się oprócz szkoleń realizacja dźwięku na każdy element w projekcie mam trochę inne spojrzenie niż muzycy. Bardziej patrzę na to jak dana ścieżka dźwiękowa wkleja się brzmieniowo w całość utworu. Najwięcej problemów sprawia nam bowiem znalezienie tych częstotliwości kluczowych, które bezpośrednio wpływają na kształt jej brzmienia oraz znalezienia optymalnych ustawień, aby docelowo złożyć dynamiczną i przejrzystą dla naszego ucha całość. W przypadku instrumentów basowych jeżeli macie tego typu problem to zwróćcie uwagę na kluczowe częstotliwości od których można zacząć korekcję materiału audio. Zacznijmy od tego wszystkiego co znajduje się poniżej 100 hz. Tony niskie są ważne, ale pamiętajcie, że na małych głośnikach nie są one odzwierciedlane tak jakbyśmy chcieli. Dlatego też zakres powyżej 100 do 200 hz ma tutaj ważniejsze znaczenie i będzie znacząco wpływał na kształt brzmieniowy naszego instrumentu w zakresie dolnych częstotliwości. Zwróćcie uwagę także na okolice 350 hz. Jeżeli chcecie, aby wasz instrument przebijał się bez problemu, przez Wasz gęsty miks w utworze to dosyć często podbicie w tym zakresie przełoży się na uzyskanie takiego rezultatu o jakim wspomniałem przed chwilą. Podobnie to wygląda z 700 hz. Jeżeli chodzi o zakres średnich i wyższych częstotliwości to jeżeli instrument jest dalej gdzieś schowany w utworze za pozostałym instrumentarium podbicie w zakresie od 1.5 khz wzwyż może dać dobry wynik (ale tutaj zalecałbym już stosowanie filtrów półkowych). Nie bójcie się eksperymentować. Chociaż większość inżynierów czy też szkoleniowców powie Wam, żeby nie przesadzać z korekcją to po tych wszystkich latach jestem zdania, że najważniejsze jest to, aby instrument brzmiał po prostu dobrze w kontekście i nie ważne jest to jak to zrobiliście.

Chcecie dowiedzieć się więcej na temat miksu i masteringu muzyki ? Zachęcam do sprawdzenia oferty kursowej na mojej stronie .

Śledź nas na bieżąco na facebook’u .

W tym tygodniu mam dla Was promocje na zakup pakietu kursów – Synteza od podstaw. W skład pakietu wchodzi 5 kursów dotyczących obsługi i generowania dźwięków w ramach najpopularniejszych syntezatorów wirtualnych firmy Native Instruments. Są to klasyczny już Massive (pierwsza edycja), FM8, Monark, Absynth 5 oraz Razor. Całość pakietu możecie zakupić już teraz zakupić za 79 PLN (cena regularna to 159 PLN). Promocja trwa do 31/07.  W razie zainteresowania klikajcie tutaj.

Kochani co jakiś czas dostaję zapytanie czy warto się wybrać do szkoły produkcji/realizacji dźwiękowej. Dzisiaj chce Wam opowiedzieć pokrótce na ten temat. Oczywiście jeżeli znajdziecie dobrą placówkę a jest ich trochę w Polsce, która ma dobrą kadrę to jest to podstawowy wymiar jaki powinien was wstępnie interesować. Zresztą jakiś czas temu miałem przykład klientki, która najpierw przyszła do mnie na szkolenie indywidualne a później rozpoczęła naukę w jednej z wrocławskich szkół. Natomiast dlaczego ja polecam pójście do szkół. ? Dla mnie jest coś jeszcze ważniejszego niż wiedza. A mianowicie budowanie relacji czy to ze swoją ekipą na roku ze szkoły czy co jeszcze ważniejsze z kadrą, która siedzi w tym biznesie na co dzień. Ten temat jest dla mnie najważniejszy bo bez niego dużo ciężej nam będzie wystartować po skończeniu szkoły. Dlatego starajcie się podchodzić do wszystkich w sposób profesjonalny, pamiętajcie aby chwytać znajomości w temacie gdzie się tylko da bo nigdy do końca nie wiadomo na kogo traficie (w pozytywnym znaczeniu tego słowa). Tak więc jeszcze raz na koniec jeżeli myślicie o tej trudnej karierze to oczywiście warto iść do placówki edukacyjnej, ale zwróćcie na to uwagę, że oprócz wiedzy są pewne moim zdaniem jeszcze ważniejsze aspekty na które warto zwrócić uwagę.